Entrevista al realizador Javier López Velasco

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“El guion y su mensaje moralista, crítico, social, o lo que sea, debe primar ante todo. Y Corto Cortismo lo premia”

López Velasco fue uno de los grandes triunfadores del Festival Corto Cortismo 2016 con su cortometraje ‘Grooming’, Premio a la Mejor Idea Cinematográfica, Mejor Director y Mejor Interpretación Femenina

Tu cinta fue la gran triunfadora del Festival CortoCortismo del pasado año, después resultó ganadora del premio del público en el Festival de Cine de Castilla-La Mancha. Ha sido un buen año.

Sí, estamos muy contentos con “Grooming”. Aún sigue vivo, y lo sigo presentando a festivales. Y cuando me ofrecen una proyección, acepto encantado. Además, tuve la oportunidad de impartir una conferencia titulada “La Imagen Crítica en el Corto Cinematográfico”, en la Universidad Popular de Albacete. Allí, hablé sobre el problema que se trata en el cortometraje desde una perspectiva de la crítica social dramática, y al finalizar, proyectamos el corto. Fue un privilegio poder comentarlo ante una sala llena de gente, con la intención de entender este nuevo problema de acoso en las redes sociales, y saber cómo evitar que le sucedan a familiares o círculos de amigos. En realidad, mi intención desde que empecé a escribir el guion, era intentar remover conciencias y hacer que la gente se cuestionara por lo que estaba haciendo. Recuerdo, que al finalizar la conferencia, se me acercó una persona a la que le había conmovido muchísimo el corto. Estaba a punto de llorar, notaba como articulaba cada palabra con ese nudo en el estómago que no te deja hablar. Esa persona me dijo, que se sentía reflejada en el papel de la protagonista, y me daba las gracias por haberle abierto los ojos, porque eso mismo, le hubiera podido pasar a ella en el futuro, si hubiera seguido como hasta entonces. Que una persona se me acercara y me dijera eso, fue como misión cumplida. Ya está, era esto lo que yo quería, y lo he conseguido. Fue muy emocionante, la verdad.

 El cortometraje ‘Los tíos no preguntan’ fue nominado a mejor cortometraje de menos de cinco minutos en el Festival Iberoamericano de Cortometrajes del diario ABC (FIBABC) ¿Qué supuso esa nominación para ti y el equipo?

Una sorpresa mayúscula para los tres, la verdad. Además, me sentí muy orgulloso que sus protagonistas, Jesús Lara Oliver y Lorena Hidalgo, fueran nominados como Mejor Actor y Mejor Actriz. Son muy buenos actores, y su buena disposición siempre es de agradecer para un director. Me facilitaron mucho esa labor, y la química entre ambos en pantalla, es espectacular. Lorena es la más veterana en el mundillo artístico, lleva desde los 4 años sobre los escenarios, y sabe controlar muy bien sus emociones. Jesús en cambio, lleva menos tiempo, pero su naturalidad y espontaneidad ante la cámara es asombrosa. Pero sin duda, fue muy gratificante, que nos reconocieran un cortometraje, en el que se condensa una historia o anécdota, en tan solo tres minutos y medio, contando con cero euros de presupuesto, y rodado en una tarde. En tan poco tiempo y siendo una comedia, debes de usar un ritmo de montaje muy dinámico, para hacer que las interpretaciones y la historia cobren aún más vida, y eso es de agradecer. Ya no solo agradecerle al jurado que nos nominase y lo valorasen, sino agradecer también al público que nos hizo los terceros con más de 10.500 visualizaciones. No es fácil enganchar al público, con una comedia. Y menos hacerlo desde los títulos de crédito, con ese plano general del coche en mitad de la nada, y el tomtom anunciando que los personajes habían llegado a su destino. Es como el pistoletazo de salida para la carcajada, y quedarte pegado a la pantalla, para ver el desarrollo de la historia.

¿Cómo describes tu forma de hacer cine?

Yo realizo cine de manera autodidacta, no he estudiado en ninguna escuela de cine. Sin embargo, desde que me interesé por el tema audiovisual, empecé a leer muchos libros, a ver muchas películas, y a grabar con mi cámara de video. No importaba lo que grabara, porque era parte de mi aprendizaje. Poco a poco, y sin darme cuenta, fui eligiendo un camino más del estilo del cine independiente, en la que estos directores, saben todas las reglas cinematográficas, y las rompen sabiamente para crear un estilo propio. Además, me autofinanciaba y realizaba lo que yo deseaba hacer. Más tarde, cuando empecé a estudiar las vanguardias audiovisuales, y comprobé que los directores de la Nouvelle Vague, eran antes críticos de cine en revistas especializadas, inmediatamente, me identifiqué con ellos. A mí, antes de meterme de lleno en este mundillo, también me gustaba analizar películas y criticarlas ante mis amigos. Así pues, seguí por esta línea, sin dejar de lado lo “académicamente correcto”. Porque haciendo este estilo de cine, comprendí que llegaba más directamente al público, ya que dirigiendo a actores no profesionales, y jugando con la improvisación, en la mayoría de los casos, podía empatizar más fácilmente con el público, y crear un diálogo más cercano con el espectador. Y bueno, actualmente, intento mezclar lo “académicamente correcto” y mi estilo propio independiente, para poder tener mi propio sello, o mi firma de identidad, en cada uno de mis planos.

 ¿Son importantes para los jóvenes creadores plataformas de este tipo que os permitan mostrar vuestras ideas?

Sin lugar a dudas. Además, me gusta que los festivales audiovisuales, se desmarquen de lo “políticamente correcto”, ya hay muchos a nivel nacional, que saben ver más allá de una cuidada fotografía o un excepcional sonido. También son importantes, no digo que no. El director John Ford decía que para hacer una buena película se necesitaban tres cosas, y las tres cosas eran solo tener un buen guion. Por eso me gusta, que se valore aquí La Idea Cinematográfica. El guion y su mensaje moralista, crítico, social, o lo que sea, debe primar ante todo. Porque el guion, es la base de toda la estructura cinematográfica. Sin guion, da igual que tengas una buena iluminación, un buen sonido, un buen montaje, o una buena música, sin guion no tienes nada. Además, el hecho de valorar aspectos técnicos por separado, como los de dirección, interpretación, guion, música, montaje, efectos especiales, etc., hace que los jóvenes creadores, que no tengan aún presupuesto para obtener una buena cámara, o un buen micrófono, se les pueda valorar otros puntos fuertes, que puedan tener sus producciones, como las interpretaciones, el montaje o un buen vestuario. Eso motiva muchísimo a un equipo. Ante todo el cine es Arte, y por ello, ese Arte, debe anteponerse frente a lo técnico.

 ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

Actualmente tengo varios frentes abiertos. Por un lado, estoy rodando escenas para un largometraje, que rompe con todas las reglas de las que he hablado antes. Luego, también he acabado dos guiones, uno para algo breve y otro para algo más importante con un mensaje muy directo para el espectador. Y por otro lado, sigo rodando capítulos de mi webserie “Planeta Zero”. Ya llevamos 11 capítulos y queremos seguir haciendo más, porque hemos visto que a la gente le gusta. Tiene un estilo cómico-absurdo-surrealista, que llama mucho la atención por su formato. Cada capítulo dura 15 minutos y resultan muy amenos. Se pueden ver en mi blog de Lovelas Films, o en mis canales de Youtube y Vimeo.

¿Contáis con suficiente apoyo por parte de las administraciones o directamente tenéis que optar por autofinanciaros?

Sé que las administraciones están ahí, existen. Pero a veces, el hecho de realizar tanto trámite, con tanto papeleo, y esperar tantos meses hasta que te dicen si te dan o no una subvención o ayuda, hace que se pierda el interés por ellas, y optes por algo más directo y rápido, como es la autofinanciación, o la colaboración con empresas privadas. Yo me considero artista, y comprendo que un cortometraje, o una pintura, o una escultura, no se crean igual cuando estás de lleno en el proyecto, que cuando lo dejas enfriar y esperar hasta seis meses mínimo. El director Steven Spielberg, dijo algo así en una entrevista. El arte es así, y cuando estás inspirado, y metido en el tema, debes aprovecharlo. Una vez pedí una ayuda a la administración pública, para realizar un cortometraje, y acabé perdiendo dinero. Ellos me dieron la mitad de lo que pedí, y el resto lo tuve que poner yo de mi bolsillo. Yo solo quería una ayuda, porque lo necesitaba realmente para llevar a cabo mi obra. Pero también hubiera podido adaptar la producción a esa mitad que me concedieron, y no me dieron esa opción. Así que tuve que pedir otras ayudas a varias empresas privadas. Y luego, también te limitan mucho, cuando te exigen que las localizaciones donde ruedes, tienen que reconocerse, como los paisajes de la zona, y eso. Yo eso lo respeto. Si son ellos los que te van a dar el dinero, tienen que asegurarse de que vas a hacerles una buena publicidad de su tierra. Pero si echas un vistazo a todos los cortos que he realizado, puedes fijarte, que la mayoría se desarrollan, prácticamente, entre cuatro paredes, o en lugares muy concretos y poco reconocibles, de cualquier calle de la ciudad u otro exterior. No me gusta rodar en una localización muy reconocible, y que el público que vaya a ver tu obra, esté más pendiente de lo bonito que es el paisaje, o intentar saber dónde se ha rodado, que de la trama de la historia. Yo sí puedo, intento disfrazar eso. Hace que pierda puntos a la hora de que una administración valore mi proyecto, pero es parte de mi estilo visual, mi Arte, y no voy a anteponerlo por nada.

Eres Lincenciado en Historia del Arte ¿Por qué el cine?

Desde siempre he estado relacionado con el mundo del Arte. Mi padre es pintor de cuadros al óleo, y dibujos al carboncillo, y también le gusta mucho el cine. Yo desde pequeño, siempre me ha gustado dibujar. Y sobre todo dibujar cómics. Crecí imitando el estilo de Francisco Ibáñez, y sus personajes de Mortadelo y Filemón, Rompetechos, el Botones Sacarino, etc., aunque también sé imitar el estilo de la Marvel o la DC Cómics. Además tengo varios premios en dibujo a nivel local y provincial, y otro premio de cómic a nivel nacional. También suelen llamarme de los barrios cercanos, para ser jurado en certámenes de dibujo y pintura. Así que ya estaba preparado para dar el siguiente paso, el cine. Quería ver en movimiento mis viñetas. La base para el cine ya la tenía, porque tanto el cómic como el cine, comparten un lenguaje muy similar. Así que me encaminé por el cine, sin dejar de lado mi afición por dibujar cómics, que aún sigo realizando. Además, cuando llegué a la Universidad y cursé las asignaturas de Pintura, Escultura, o Arquitectura, inconscientemente, empecé a hacer mis propias conexiones en mi mente con el Séptimo Arte. En los años sucesivos, me matriculé en Historia del Cine, Historia del Cine Español, o Historia de los Medios Audiovisuales, y vi todas esas conexiones más claras. De hecho la tesis doctoral, que estoy realizando, trata precisamente sobre estas mismas relaciones.

 ¿Volveremos a ver en nuestro Festival un corto de Javier López Velasco?

Por supuesto que sí. Además, también me presenté en la primera edición, con un cortometraje titulado “Parking”, que resultó divertido verlo seleccionado y proyectado en pantalla grande, porque no pensábamos que fuera a gustar tanto.  Hay que apoyar festivales como este, que tras cinco ediciones sigue poco a poco su andadura, y superando retos como la crisis económica. Eso es de admirar, porque hace que intentes ser original con poco presupuesto, y saques adelante proyectos culturales, que mucha gente demanda. Con los cortos y películas es lo mismo, cuanto menos tienes, más interés y ganas le pones para sacar algo adelante, y más original te permite ser. Así luego, cuando tienes un mayor presupuesto, ya lo tienes todo hecho, y no hace falta que tengas que llamar a muchas puertas más, para conseguir financiación. Con mi cine me pasa lo mismo, sé aprovechar todos los recursos, y les intento sacar el máximo partido. Y con los festivales, no importa si la cuantía de premios es alta o baja, lo importante es que sea un encuentro entre cineastas, y que los protagonistas sean ellos y sus equipos. Que se les valore, y que sean unos días de cine, en el que se vean proyectados una gran variedad de obras de nuestra gente, que le gusta el cine.

¿Cuál es tu sueño en el plano cinematográfico?

Al principio, cuando empiezas en esto del cine, primero, tu objetivo es conseguir muchos premios por tus obras, llegar a lo más alto, ganando algún Goya o incluso el Oscar, y segundo, poder ser como un director concreto al que adoras. Sin embargo, con el paso del tiempo, me he dado cuenta, que es más fácil conseguir lo segundo que lo primero. Además, he comprobado, gracias a mi carrera de Historia del Arte, que el número de premios no hace que sea mejor una obra, sino la visión que tengas como director-artista y saber plasmarla en imágenes, o comunicarla. Existen directores míticos de la industria cinematográfica, que jamás han recibido un premio Oscar como Mejor Director, como por ejemplo: Stanley Kubrick, Alfred Hitchcock, Ingmar Bergman, Robert Altman, Sidney Lumet, David Lynch, Tim Burton u Orson Welles, y no por ello son malas sus obras. Este último por ejemplo, su película “Ciudadano Kane”, es considerada la mejor película de todos los tiempos, y sin embargo solo se llevó el Oscar de Mejor Guion. Otro ejemplo claro de que el guion es la base de todo. Pero la película de Welles, es buena gracias a la visión única, y a la originalidad con que creó su obra. “Mulholland Drive” de David Lynch, se considera la Mejor Película del siglo XXI, y sin embargo no es un director muy académico, y no es políticamente correcto en su manera de hacer cine. David Lynch es artista, y hace Arte, también pinta cuadros, transmite su visión única, tiene amantes y detractores por ello, y jamás antepone su forma y estilo ante nada convencional, que le imponga la sociedad. Él cree en lo que hace, y sigue haciendo eso en lo que cree. Por eso, mi sueño es ese, intentar conseguir poco a poco, una visión única en mis obras, y tener la potencia plástica suficiente, para componer unas imágenes, que se identifiquen con un estilo único propio. Tener mi sello de identidad y ser reconocido por ello. Poder llegar al público fácilmente con mi cine, y hacerles sentir algo, remover conciencias como con “Grooming”. Porque el Arte, el Cine, se hace para el público, y que este se emocione, reflexione o disfrute. Si haces lo que todo el mundo hace, tu obra se pierde entre la de todos ellos, y jamás llegarás destacar en nada.

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